JAN DOSTAL

Es gibt keine Schönheit an sich. Schönheit entsteht erst in der Reibung der Kontraste, die in der Konfrontation zur Komposition geschmolzen werden.

Das Atelier als Schmelztiegel oder Schmiede ist für Sazarin in erster Linie eine Werkstätte, in der gearbeitet wird. Nicht zuletzt durch Fleiß zeichnet sich seines Erachtens ein echter Künstler aus. Das Können spielt für die Fähigkeit eine Rolle und das Glück für den Erfolg, aber mit dem Fleiß fängt für Sazarin alles an.

In seinem Spätwerk hat Sazarin zu einer Einfachheit gefunden, die stets ein emanzipiertes Spiel der Farben zulässt. Das Einfachste, das nichts mit dem Naiven gemein hat, zeigt sich vor allem in der Großzügigkeit weißer Flächen und der umso konzentrierteren Kulmination von Farbereignissen. Unter emanzipiert versteht Sazarin vor allem das Zulassen sämtlicher Farbwerte, wenn sie ihre adäquate Platzierung gefunden haben. Werke wie „No“ oder „Stumm“ zeigten geradezu einen asiatischen Charakter, der mit chinesischer Tuschmalerei oder japanischen Zen-Zeichnungen mehr gemein hat als mit europäischer Malerei.

Wie dem Künstler die Stille seines Ateliers mitten in der Hamburger Innenstadt Musik ist, so begreift er auch das „weiße Schweigen“ als Musik hinter den Farbexplosionen wie etwa bei „Welle I“ oder „Chinesische Landschaft“.

Ein kennzeichnender Zug in Sazarins Denken ist das sogenannte „Nichtwollen“, denn erst in der Überwindung des „malerischen Ichs“ (analog zum lyrischen Ich Gottfried Benns) gelingt ihm künstlerische Freiheit. Was sich ursprünglich als schöpferischer Unfall ereignete, wurde späterhin zum ästhetischen Motor „ausgebaut“. Während Sazarin 1978 eine Zeichnung fertigstellte, stieß er aus Versehen seinen Pott Kaffee über das Bild. Aus der Zeichnung wurde ein Motiv mit völlig neuem Charakter. „Da lernte ich zu sehen und staunte über verschwommene und zugleich klare landschaftliche Strukturen, die ich überhaupt nicht im Sinn gehabt hatte. Das Bild wurde nicht nur besser – es gehörte zu meinen frühen Würfen.“

Sukzessive begann Sazarin, den Zufall mit ein zu beziehen und zu steuern. Gleichsam als sein wichtigster Assistent diente ihm der Zufall als Ratgeber, als Impuls und Vision zugleich.

Wesentliche Einflüsse für sein ästhetisches Verständnis verdankt Sazarin der japanischen Zen-Philosophie und dem Taoismus Lao-Tses. Sprache und Denken betrachtet Sazarin lediglich als intellektuelle Hilfsmittel und Krücken. Das Bild ist frei wie die Musik und hat den Kopf schon überwunden, während dieser noch nach Begriffen sucht. Sazarin war immer schon fasziniert von der Plötzlichkeit des Augenblicks, des Eindrucks, den ein Bild beim Betrachter hervorrufen kann. Ein solch plötzlicher Impact, gepaart mit impulsiver Kraft im Duktus, ist nahezu allen seinen Bildern eigen. Sazarins Malweise ereignet sich im Augenblick, im Jetzt, ohne Vor- oder Nachher. In diesem Augenblick wirkt die Leinwand geschüttet, gesprüht, gestreut, geklebt oder gezeichnet.

Neben der Malerei, umfasst das Werk Sazarins Zeichnungen, Radierungen, Rost- und Materialarbeiten. Von der figürlichen Zeichnung herkommend, hat sich der Künstler mehr und mehr „von erkennbarer Figürlichkeit“ befreit und zunehmend der Abstraktion angenähert. So finden sich in zahlreichen seiner Arbeiten Landschaften, Körper und Porträts nur angedeutet. Dem Künstler kommt es weniger darauf an, etwas Erkanntes direkt wiederzugeben. Vielmehr möchte er „aus Lösungen Rätsel machen“. Die Vorliebe, Räume und Symmetrien, aus Flächen zu erschaffen, machen seine Bilder 360-Grad-fähig. Das drehbare Bild erleidet keinerlei Verlust; im Gegenteil: Der Blick des Betrachters gewinnt neue Sichtweisen und entdeckt dabei etwa unbekannte Landschaften. Nicht selten gebiert ein einzelnes Werk so gleich mehrfach zusätzliche Motive und Deutungsebenen. Dieser Polyperspektivismus gehört heute zu den Hauptmerkmalen der Kunst Sazarins.