Non esiste la bellezza in sé. La bellezza nasce solo nell’attrito dei contrasti, che si fondono in una composizione attraverso il confronto.

Per Sazarin, lo studio come crogiolo o fucina è prima di tutto un laboratorio in cui si lavora. Secondo lui, un vero artista è caratterizzato anche dalla diligenza. L’abilità gioca un ruolo nella capacità e la fortuna nel successo, ma per Sazarin tutto inizia con il duro lavoro.

Nei suoi ultimi lavori, Sazarin ha trovato una semplicità che permette sempre un gioco emancipato di colori. La semplicità, che non ha nulla in comune con l’ingenuità, è particolarmente evidente nella generosità delle superfici bianche e nella concentrazione degli eventi cromatici. Sazarin intende l’emancipazione soprattutto come l’accettazione di tutti i valori cromatici una volta che hanno trovato la loro giusta collocazione. Opere come “No” o “Stumm” mostrano un carattere quasi asiatico che ha più in comune con la pittura a inchiostro cinese o i disegni zen giapponesi che con la pittura europea.

Così come il silenzio del suo studio nel centro di Amburgo è musica per l’artista, egli intende anche il “silenzio bianco” come musica dietro le esplosioni di colore, come in “Wave I” o “Chinese Landscape”.

Un tratto caratteristico del pensiero di Sazarin è il cosiddetto “non volere”, poiché egli raggiunge la libertà artistica solo superando l'”ego pittorico” (analogo all’ego lirico di Gottfried Benn). Ciò che originariamente si è verificato come un incidente creativo è stato successivamente “sviluppato” in un motore estetico. Mentre Sazarin stava completando un disegno nel 1978, accidentalmente rovesciò la caffettiera sul quadro. Il disegno divenne un motivo con un carattere completamente nuovo. “Imparai a vedere e rimasi stupito dalle strutture paesaggistiche sfocate ma chiare che non avevo affatto in mente. Il disegno non è solo migliorato: è stato uno dei miei primi lavori”.

Sazarin iniziò gradualmente a incorporare e controllare il caso. Essendo il suo assistente più importante, il caso gli serviva come consigliere, impulso e visione allo stesso tempo.

Sazarin deve influenze significative per la sua comprensione estetica alla filosofia Zen giapponese e al taoismo di Lao-Tzu. Sazarin considera il linguaggio e il pensiero solo come ausili e stampelle intellettuali. L’immagine è libera come la musica e ha già superato la mente mentre questa è ancora alla ricerca di concetti. Sazarin è sempre stato affascinato dall’immediatezza del momento, dall’impressione che un’immagine può suscitare nello spettatore. Questo impatto improvviso, unito alla forza impulsiva dello stile, è caratteristico di quasi tutti i suoi dipinti. Lo stile pittorico di Sazarin si svolge nel momento, nell’adesso, senza prima né dopo. In questo momento, la tela appare versata, spruzzata, sparsa, incollata o disegnata.

Oltre alla pittura, il lavoro di Sazarin comprende disegni, incisioni, ruggine e opere materiche. Provenendo dal disegno figurativo, l’artista si è sempre più liberato “dalla figurazione riconoscibile” e si è avvicinato all’astrazione. Di conseguenza, paesaggi, corpi e ritratti sono solo accennati in molte delle sue opere. L’artista non è interessato a riprodurre direttamente qualcosa di riconoscibile. Piuttosto, vuole “trasformare le soluzioni in puzzle”. La sua predilezione per la creazione di spazi e simmetrie dalle superfici rende le sue immagini capaci di spaziare a 360 gradi. L’immagine ruotabile non subisce alcuna perdita, anzi: lo sguardo dello spettatore guadagna nuove prospettive e scopre paesaggi sconosciuti, ad esempio. Non è raro che una singola opera dia vita a molteplici motivi e livelli di interpretazione aggiuntivi. Questo poliprospettivismo è una delle caratteristiche principali dell’arte di Sazarin oggi.

Voglio portare il meno possibile dall’esterno nel quadro. Mi interessa la spontaneità, l’impulso veloce. Preferisco reagire alle strutture. Servono come punti di riferimento lungo i quali mi dipingo in modo intuitivo e fantasioso in uno strano mondo pittorico che mi sorprende. Dove lo sguardo cade, si perde, dove non c’è cima o fondo, inizio o fine e tutto sembra variabile, è lì che inizia la magia. Dove non c’è nulla eppure rappresenta qualcosa, nulla di raffigurato dall’esterno, ma qualcosa che si porta dietro dall’interno: Questa è la terra di nessuno delle immagini non spese e insaziabili.

Voglio creare eventi pittorici inutilizzati. Dovrebbero essere sorprendenti e, in linea di principio, infiniti. Le mie nuove immagini stanno diventando sempre più simili a me stesso. Mostrano sempre più di meno e seguono un orientamento verso le ultime libertà di me stesso … occasionalmente attraverso deviazioni di confusione e non sapendo cosa fare dopo. Il ritmo dei battiti di un’immagine si allenta sempre di più di fronte alla presunta impotenza. Si distacca sempre più dalla logica e dalle intenzioni prevedibili. Seguendo le maree spontanee, vado alla deriva senza fine verso un motivo che non può essere ricreato. Questo flusso libero scorre febbrile su di me in flussi vulcanici di apoteosi. L’ora della preghiera. Un quadro particolarmente riuscito non sa nulla del quadro. Tuttavia, proprio perché è virtualmente un quadro “di niente”, assomiglia molto all’artista che crea qualcosa senza una volontà coerente e quindi in una certa misura al di fuori della sua coscienza. Vuole creare l’impossibile e dare somiglianza al nulla. Come nucleo della propria abilità, comprende il fallimento approvato, l’opportunità colta ancora e ancora con il massimo disprezzo per il proprio ego, l’audace compito di voler dipingere se stesso. Superare l’ego in modo consapevole porta alla caduta libera, alla liberazione interiore, a lasciare che le cose accadano. La volontà si spegne nel momento in cui non decidi più nulla, ma ti arrendi e lasci andare il volante in modo che la strada si trovi da sola. In questi momenti, sei libero … libero da te stesso, da questa volontà indicibile. Il processo è una rinuncia immediata, chiara e completa della tua volontà. L’opera emerge da sola, non segue alcun atto di volontà, ma trova solo il momento giusto per materializzarsi, guidata al massimo dal sentimento della sua voce interiore. Raggiungi le massime altezze portando instancabilmente il tuo io alla tomba.

Con la visione autodeterminata, lo spettatore ha l’opportunità di permettere all’immagine interiore di penetrare in se stesso. Ciò richiede un’intensa connessione soggettiva. Il resto è meglio lasciarlo in sospeso, non detto, e quindi aperto. C’è un valore particolarmente alto in questo. Voglio dipingere puzzle dalle soluzioni, permettere tutto, offrire tutto, non confermare nulla. Le mie opere sono non rappresentative e allo stesso tempo concrete. Non assomigliano a qualcosa, ma sono qualcosa! Distinguo due tipi di immagini: quelle buone e quelle che rimangono buone. Ciascuna delle mie immagini potrebbe essere trasferita a una sfera ancora più alta grazie a una sovradipintura. Per questo motivo punirò il mondo con flagelli sempre più numerosi e sempre migliori.

WELTMichael Sazarin “Il Big Bang e il silenzio

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Brigitte Donna Mancasolo l’amore

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La rivista d’arte art scrive:

“Il pittore amburghese Michael Sazarin si concentra sull’intuizione, non sulla certezza. Vive con piacere la tensione tra stati casuali e strutture riconoscibili. Insieme alla preferenza di Sazarin per i grandi formati, le sue opere esercitano una sorprendente attrazione sullo spettatore.”